Choisir son école

Pourquoi dansons-nous ?

Il n’y a pas de réponse simple à cette question. Dans le passé, l’Homme dansait pour vénérer et célébrer. Dans la tradition occidentale, la danse sociale occupe une place très importante : nous dansons pour le plaisir que cela nous procure. La tradition du ballet classique provient des danses de cours des rois européens. Nous dansons pour divertir les autres ou nous dansons pour partager nos émotions ou les sentiments du rôle que nous interprétons. À un niveau plus physique, nous dansons parce que c’est un bon exercice. Nous apprenons à danser pour promouvoir une bonne posture, pour dépenser des calories, pour devenir plus gracieux. Toutes ces raisons ont un facteur en commun : par l’acte de la danse nous ressentons un sens d’appartenance. Nous partageons et communiquons notre sens de bien-être par le mouvement.

Malgré que chacun n’est pas né pour être un danseur professionnel, la pratique de la danse bénéficie à tous. Elle développe l’éveil du corps et une appréciation pour tout ce qu’il peut faire. Elle aide également au développement physique et psychique chez l’enfant. La danse bénéficie également à développer un sens social. Les enfants qui suivent des cours de danse deviennent plus alertes dans leurs relations interpersonnelles et apprennent à travailler en harmonie les uns avec les autres. Dans un environnement non compétitif ils apprennent la coopération et l’entraide. Dans les classes de mouvement créatif et de pré-ballet ils apprennent à exprimer des idées par l’imaginaire, améliorant ainsi leurs aptitudes de communication.

L’entraînement en danse

L’apprentissage de la technique établit un vocabulaire évoluant de la simplicité à la complexité. Les mouvements de base sont répétés encore et encore et éventuellement ces mouvements sont liés en enchaînements. Au début, les combinaisons sont limitées à deux ou trois mouvements de base; comme l’élève s’améliore, les enchaînements deviennent plus complexes même s’ils sont toujours composés de mouvements de base. Lorsqu’une méthode d’enseignement est trop rapidement dirigée vers les mouvements complexes et n’accorde pas assez d’importance aux mouvements de bases dans les premières étapes de l’entraînement, cela ne favorise pas la compréhension et la coordination; par conséquent l’exécution de l’élève ne sera pas claire, manquera de précision.

L’objectif de l’entraînement en danse est l’acquisition de techniques. Une définition de la technique serait « une méthode pour accomplir un but particulier ». Le but dans l’enseignement en danse est principalement d’entraîner le corps en un instrument malléable et expressif.

Le mouvement créatif et le pré-ballet sont basés sur l’idée d’apporter une activité physique à l’enfant qui est trop jeune pour un entraînement technique formel. Avant l’âge de sept ou huit ans, les os des enfants sont trop mous, les connections musculaires sont établis de façon insuffisante et leur capacité d’attention est trop courte pour se concentrer sur des exigences techniques.

Certaines méthodes de danse de nos jours permettent la participation d’enfants très jeunes lorsqu’elles ne demandent pas l’exigence technique. L’enfant est libre d’exprimer sentiments et idées avec le mouvement dans un environnement positif. Aussi, les techniques d’improvisation favorisant l’activité de groupe, l’éveil à l’espace et aux autres sont un bon début pour les jeunes.

Les classes de mouvement créatif mettent généralement l’emphase sur la forme, l’espace et la réponse aux différents sons ou rythmes. Les cours stimulent l’imagination de l’enfant, augmente l’éveil à son corps et comment il bouge, dans l’espace et en relation avec les autres qui partagent ce même espace et créent des formes. Les enfants réalisent ceci à partir de jeux musicaux, en racontant des histoires par le mouvement, et en imitant l’environnement naturel : nuages, pluie, vagues, fleurs, arbres et animaux. Ils perfectionnent leur perception spatiale en relation avec les formes et les différentes dynamiques. Par l’entremise de ces activités et d’autres, comme l’étirement doux et les mouvements moteurs contrôlés, comme gambader et marcher, les enfants apprennent à donner une expression physique à leur imagination et à développer leur coordination.

Un cours de pré-ballet incorpore quelques-uns des éléments du mouvement créatif. Il introduit également certaines des positions de base du ballet classique et ses mouvements sans mettre l’emphase sur le côté technique.

Peu importe que l’élève débute à l’âge de sept, dix, vingt ou quarante ans, la progression d’apprentissage de la technique est la même. Que vous soyez un débutant tardif, de quinze à soixante-dix ans, vous comprendrez les mouvements intellectuellement plus rapidement qu’un enfant de huit ans. Cependant, votre musculature prendra plus de temps à rejoindre votre raisonnement.

Comment choisir un professeur et une école?

Dans les régions métropolitaines, le choix d’écoles de danse est large, ce qui rend par le fait même la recherche de bons professeurs plus difficile. Choisir une école ne devrait pas être un sujet prit à la légère. Opter pour la proximité du studio devrait être considéré avec la réputation de l’école. Même les commentaires reçus d’autres parents méritent d’êtres vérifiés. Une visite à l’école et une conversation avec les professeurs sont de mise. Observez , si possible, quelques classes, pas seulement celle dans laquelle votre enfant sera inscrit, mais aussi d’autres niveaux pour s’assurer du progrès des élèves et remarquez la relation professeurs / élèves et l’atmosphère maintenu en classe.

Un des avantages de se joindre à une école professionnelle est l’opportunité de prendre part dans les productions de compagnies soeurs, telles que l’annuel ballet Casse-Noisette. Contrairement aux présentations des studios privés, où les élèves sont les participants principaux, ces productions placent les enfants à l’intérieur d’un environnement plus riche en talent. Ces productions leur permettent d’apprendre les façons de faire de la scène en côtoyant les professionnels, qui représentent les modèles auxquels les enfants peuvent s’identifier.

Mathesius présente les éléments qui distinguent la formation générale en danse des programmes intensifs.

1. Il doit y avoir un large bassin de candidat duquel le recrutement peut s’effectuer… Il doit y avoir un procédé rigoureux d’auditions qui garantit la sélection de jeunes danseurs très talentueux et extrêmement motivés.
2. Le personnel doit être composé d’artistes / enseignants qui possèdent une expertise en danse résultant de leur expérience professionnelle.
3. Les cours de technique, le coeur et l’âme de la formation en danse, se doivent d’être tenue avec rigueur. La maîtrise technique est un but essentiel et doit être enseignée de façon concise à travers un horaire régulier et hebdomadaire de ballet classique et/ou de danse moderne.
4. La présence de musiciens sur place est un élément essentiel à tout cours de danse. Un institut qui forme des danseurs professionnels, sans exception, doit présenter chaque classe d’enseignement technique avec un musicien.
5. Un plan de cours doit être suivi pour tout cours de danse technique qui reflète des standards de haut niveau.

Les professeurs que vous rencontrerez vont probablement avoir une liste de documents professionnels qui établissent leur bagage et compétences ainsi que les techniques diverses qu’ils maîtrisent et enseignent. Ils auront certainement un diplôme d’études collégiales en danse ou un certificat d’enseignement de l’État, si employé par le ministère de l’Éducation. En tant que parent, vous devriez vous sentir à l’aise de poser des questions et demander des preuves de certification et de discuter avec le professeur le type d’approche qu’il utilise pour se guider. Accompagné de l’observation d’une classe ou deux, une entrevue fournira une base pour déterminer un bon style et faire un choix éclairé. La brochure de l’école peut fournir quelques informations, mais poser des questions demeure toujours nécessaire.

Les enfants apprennent initialement en imitant leurs professeurs, alors il est important pour les professeurs de présenter une ligne corporelle sans maniérisme. Tous les danseurs développent une touche personnelle, une façon individuelle de présenter un mouvement qui, lorsqu’elle n’interfère pas avec la clarté du mouvement, peut améliorer et mieux exprimer les émotions. Cependant, lorsque les danseurs deviennent professeurs, ils doivent perdre ces touches personnelles afin de transmettre une ligne pure à leur élèves. Le professeur idéal devrait posséder les atouts suivants:

1. une certification d’une institution reconnue;
2. une certaine expérience professionnelle;
3. une comportement faisant preuve de patience sans toutefois dorloter l’élève;
4. être confortable avec la matière enseignée et être habile à organiser la matière de façon logique et appropriée pour chaque groupe d’âge;
5. une habileté à inspirer un sentiment d’accomplissement et à stimuler l’intérêt chez les élèves;
6. avoir un œil critique pour corriger de façon encourageante;
7. une habileté à maintenir concentration et discipline en tout temps;
8. par dessus tout, un amour pour la danse et un désir altruiste de voir les élèves progresser.

L’interaction entre un professeur et son élève est probablement une des choses les plus importantes de l’aspect de formation; les professeurs ne doivent pas seulement être connaissants mais aussi posséder un esprit généreux qui leur permet de partager ces connaissances.

Une bonne école offre une continuité dans sa formation; en d’autres mots, elle offrira un horaire établi, une progression et des niveaux enseignés par les mêmes professeurs tout au long de l’année. Un élève à besoin de se familiariser avec le style de son professeur et sa progression. Par la suite seulement, il pourra se concentrer sur les concepts qui lui seront présentés et ensuite évaluer ses progrès. Chaque cours doit être dévoué à une seule discipline soit ballet, folklore, moderne, jazz, etc. Votre enfant sera placé au niveau approprié et le professeur suggèrera des cours complémentaires selon les progrès de votre enfant.

Éviter les blessures

Lorsque vous choisissez une école, vous devriez remarquer certains signes indiquant que la technique est enseignée de façon adéquate. Est-ce que les élèves se tiennent droit et est-ce que le professeur les corrige s’ils ne le sont pas? Lorsque les élèves sont droits, leurs épaules et leurs hanches sont-elles bien alignées, est-ce que la tête est bien balancée sur le corps (avec le menton ni rentrer vers l’intérieur, ni pointé vers le haut) ?

Est-ce que le professeur parle d’alignement et de ligne ou est-ce que la hauteur de la jambe en extension est la seule chose qu’il regarde sans intérêt pour l’alignement et les lignes?

Est-ce que le professeur demande le même degré de rotation externe (en-dehors) de tous les élèves ou est ce qu’il corrige individuellement chaque enfant selon ses capacités?

Les conditions de l’environnement, incluant le plancher, sont importantes. La surface de plancher devrait permettre une certaine adhérence sans toutefois être collante. Une surface non-glissante telle que du « marly » est très efficace. Le « linoleum » n’est pas efficace puisqu’il est très glissant de façon générale. Le bois qui a été traité avec un fini qui prévient de glisser est aussi utilisable. La résine est parfois utilisée sur les surfaces de bois mais n’est pas nécessaire sur le « marly ». Les planchers doivent également être rebondissants; un « marly » posé par-dessus une surface dure comme du ciment n’est pas acceptable. L’importance d’un plancher résiliant ne peut être sous-estimée. Plusieurs blessures sont causées en sautant sur un plancher non rebondissant. Des barres de qualités sont aussi essentielles pour l’équipement d’un studio. La hauteur des barres ne devrait pas dépasser la taille de l’élève. La plupart des studios ont deux rangées de barres pouvant accommoder petits et grands élèves.